Intentaban plasmar la luz, la “impresión” visual de los objetos. Sus elementos son el momento, la luz y la naturaleza. Se desarrolla principalmente en Francia. Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872-1873 (París, Museo Marmottan Monet). Uso de colores puros y saturados. Las pinceladas son rápidas para captar los diversos momentos de la luz. Es el ojo y el cerebro son los que dan unidad y forma al conjunto de pinceladas. La forma es relegada a segundo plano, se centran en la representación de la luz y el color. Sus obras tienen una gran fuerza psicológica y expresiva. Sus principales temas eran la melancolía, el pesimismo, la soledad y la miseria. Defendían la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos. Pretendían reflejar en sus obras su mundo interior. Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwig Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Distorsiona las formas representadas, para acentuar las expresiones. Utilizaban imágenes angustiosas y desesperadas. Uso de colores fuertes y puros. Espacios disueltos sin perspectiva. Era común el uso de la xilografía. Consideraban actividad artística como una consecuencia de un impulso vital. Intentan expresar sentimientos a través de sus obras. Tenían una actitud rebelde y transgresora contra la pintura tradicional. Paisaje: Provinza por Alfred Henry Maurer, c. 1912.1 Uso provocativo y libre del color: colores chillantes y contrastes complementarios. Utilización subjetiva del color y las formas. Desinterés por los acabados. Emplean toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos. Representa una ruptura completa con la pintura tradicional. Abandona la perspectiva renacentista, e intenta representar todas las partes de un objeto en el mismo plano. Intentan pintar las cosas como se sabe que son, no como se las percibe. Dan tanta importancia al discurso escrito como a las obras plásticas. Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,3 x 74,4 cm, Instituto de Arte de Chicago. Utilizan tonos grises, verdes y marrones. Representan los planos de diferentes vistas del objeto. La composición es fragmentaria. La obra toma autonomía frente al objeto representado. Hicieron uso del collage. Rompen con la tradición y los convencionalismos de la historia del arte. Muestran una adoración a las máquinas y el progreso. Intentan retratar la realidad en movimiento. Exaltación de lo sensual y lo nacional y guerrero. Se desarrolla principalmente en Italia. Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913, Museo Guggenheim de Venecia. Utilizan planos de corte triangular para representar el movimiento. Predomina la utilización de colores puros. Principales colores: Rojo-Azul y Violeta-Amarillo. Representan objetos en movimiento, pintando varias posiciones de ellos simultáneamente. Utilizan formas geométricas. Se posiciona contra del concepto de razón del Positivismo. Plantea olvidar la historia del arte y comenzar de nuevo. Se muestra en contra de las demás vanguardias artística. Plantean la imposibilidad de una relación entre el arte y la sociedad. Se rebelan ante las concepciones burguesas del arte. Marcel Duchamp, Fountain, 1917; photograph by Alfred Stieglitz Utilizan la superposición de planos en sus obras. Integran tipografías en sus obras. Hacen uso del collage, el frottage, el fotomontaje y las rayografías. Sus obras representan lo absurdo y lo irreal. Buscan un mundo de la no-representación en sus obras. Crean imágenes densas y sólidas, prácticamente inmóviles. Buscan la abstracción geométrica y la expresión suprema del sentimiento. Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malévich, 1916) Uso de formas geométricas básicas (círculo, cuadro y triángulo). Uso de Azules, rojos y verdes para las figuras, y blancos, negros y grises para los fondos. Buscan recuperar el arte para el pueblo en los espacios públicos. Expresan el discurso político bolchevique, principalmente. Tienen una admiración por las máquinas y el progreso tecnológico. Hacen propagando bolchevique a través de carteles. Maqueta de la Torre Tatlin, 1919 Uso de planos para hallar la pureza de las formas. Se recupera el fondo sobre la figura, para denotar el espacio. Uso de colores puros y planos geométricos. Introducción de tipografías en sus obras. En la escultura consideran tanto el interior como el exterior. Intentaba liberar a la obra artística de cualquier regla moral o estética proveniente de la conciencia. Buscan la representación del mundo interno a través de la exploración del subconsciente y el sueño. Max Ernst, The Elephant Celebes, 1921, Tate London Pintura metafísica: representación realista de objetos inconexos en un entorno ajeno a ellos. Bioformas: formas blandas que evocan partes animales o humanas. Utilizaban técnicas que dejaban mucho espacio al azar, como el collage, el fumage, el fotomontaje, el dibujo automático, el frottage, la decalcomanía, y la rayografía. Intenta apartarse de cualquier tendencia política. Pintar es un gesto espontaneo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. Sus cuadros reflejan la angustia y los conflictos de su época. Jackson Pollock, No. 5, 1948, oil on fiberboard, 244 × 122 cm (96 × 48 in) En sus cuadros no hay jerarquía entre las diversas partes de la tela. Uso de pocos colores: blanco, negro, cian, magenta y amarillo. Eliminan la figuración dentro de las obras. Trazos violentos de color en soportes de gran formato. Reaccionan ante la rigidez de la abstracción geométrica. Prefieren la espontaneidad y rechazan las teorías preestablecidas. Trabajan conjuntamente poetas, músicos y pintores. Saut dans l’espace (1953) – Karel Appel (1921-2006) Buscan un arte libre y original a través de formas primitivas e ingenuas, inspiradas en las que hacen los niños o los enfermos mentales. Realizan intervenciones en pinturas ya hechas. Sus obras tienen un gran colorido. Se opone a la cultura elitista de las bellas artes. Se vale de la ironía y la parodia. Es un en cierta manera una crítica al “estilo de vida americano”. Richard Hamilton’s collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (1956) Utiliza imágenes de la cultura popular, y las recontextualiza y redefine, para mostrar el aspecto banal o kitsch del objeto o personaje. Utiliza técnicas de reproducción como la serigrafía, la fotografía y el video. Utiliza colores muy saturados y líneas bien definidas. Suele incluir elementos tipo “comic”. El concepto de la obra está sobre el sobre el objeto creado. Consideran que el arte tiene implicaciones éticas y sociales. Joseph Kosuth, Art as Idea as Idea, 1966-68 Ready-made: utilización de objetos ya existentes para expresar la idea. Utilizan fotografías, mapas y videos. Performance. Instalaciones. Action painting. Surge en las zonas marginadas de Nueva York. Originalmente forma parte de la cultura Hip-hop. Surge como una expresión individual y de grupo. Ocupa el espacio público La acción misma ya es un mensaje. Grafiti en Aalborg (Dinamarca), 2003. Foto: Tomasz Sienicki Utilización de tipografías estilizadas. Pintura en aerosol. Utilizan el espacio público como soporte de sus obras. Formas en 2D y 3D. En ocasiones las tipografías van acompañadas de ilustraciones. Cuestionan el entorno urbano mediante un lenguaje gráfico característico. Desafían el concepto de arte al tomar como soporte para sus obras los espacios públicos urbanos. Buscan que el público sea consciente del entorno que los rodea. Algunos buscan la crítica social mediante imágenes llenas de sátira o ironía. Stencil art by Banksy on Brick Lane, London (2004). Intervienen los espacios públicos mediante esculturas, pinturas de esténcil, stickers, posters, e instalaciones. Utilizan símbolos e íconos mediáticos. También realizan videos sobre sus intervenciones públicas. 
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